La danse : modèle pour la peinture
La représentation de la figure humaine = les fondements narratifs et historiques du sujet pictural.
L'organisation de la représentation de l'homme va entre le XIVe et le XXe siècle questionner son épanouissement spatial.
Les arts dansés vont permettre une mise en situation dynamique de la figuration.
Les principes de l'idéalisation et de la grâce questionnent l'interaction entre la peinture et la danse.
La représentation de danseurs et danseuses permet aux artistes de figer un mouvement et de ce fait une sensorialité. La danse, dans ses fondamentaux, est une pratique artistique utilisant le corps et son déplacement comme moyen expressif. Pour l'organisation plastique des groupes, la danse est un modèle pour la peinture.
Le dialogue entre la danse et la peinture joue sur une sensorialité où le corps animé d'une expression, permet aux artistes de construire des équilibres et des déséquilibres jouant avec les propres sensations du spectateur.

Aucun peintre n'est aussi universellement associé au monde de la danse qu'Edgar Degas.
Degas est un peintre, graveur, sculpteur et photographe français du 19e siècle. Il se rattache au mouvement de l'impressionnisme.

Plus de la moitié de son immense production est consacrée aux ballerines et petits rats.
Les danseuses de Degas choqueront une partie du public contemporain car il ne représente pas la danse dans sa mise en scène mais dans sa préparation et dans son arrière scène.
L'artiste va faire un grand nombre d'études de danseuses où leurs mouvements se décomposent.
Ainsi, traités en frise, les poses viennent s'inscrire les unes derrière les autres et dans un effet dynamique recomposent l'ensemble du mouvement.
C'est l'oeil qui remettant successivement les mouvements les uns derrière les autres crée l'effet dynamique.
Aux dynamiques des corps, Edgar Degas ajoute la dynamiques des couleurs. Pour lier ou créer cette impression de mouvement l'artiste ne se repose pas