Les conceptions de l'art du xv au xviii eme siecle

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  • Publié le : 30 avril 2011
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A travers cet exposé, la question des grandes conceptions de l’art et de l’artiste entre le 15e et 19e siècle se pose. La manière dont on représente ce que pouvait être l’art, mais quelle idée se faisait on de l’art durant ces siècles ? On s’aperçoit que l’art ou l’artiste se représente de différentes manières selon les siècles. Cette évolution a été influencée par des transformations de l’art etde l’artiste, comme la révolution artistique et ses fondements intellectuelles dès le 15eme siècle. Nous allons étudiés ici la transformation des conceptions au fil des siècles à travers les représentations des artistes. De savoir comment l’artiste veut énoncer ce que doit être pour eux, l’œuvre. Nous traverserons le Moyen-âge, le néo impressionnisme passant par la Renaissance. Et nousessaierons de surligner les principales transformations.
Pour avoir un support de légitimité, nous nous appuierons sur les œuvres exposées aux Palais des Beaux-arts de Lille.
Le Palais des Beaux-arts de Lille, l’un des premiers musées français, regroupe dans son imposant bâtiment caractéristique du répertoire architectural du XIXe siècle, un panorama complet des plus grandes collections européennes duXIIe au XXe : des collections de peintures européenne, un Cabinet des Dessins, un département des antiquités, du Moyen-âge et de la Renaissance, des céramiques du XVIIe au XIIIe siècles, des sculptures françaises du XIXe siècle, des Plans reliefs du XVIIIe et la collection numismatique. Le parcours chronologique organisé en salles conçu illustre les principaux mouvements artistiques européens duXIIe siècle au XIXe.
Pour chaque salle, nous prendrons les œuvres majeures qui pour nous semblent montrer un changement dans l’histoire de la peinture et de fait signifier un bouleversement de la conception de l’art ou de l’artiste.

Le Moyen-âge et l’Art Gothique :

Maître de Santa Barbara a Matera/Vierge allaitant entourée de plusieurs saints 
Tempera à l’œuf sur bois. Le support en boisde peuplier a été recouvert d’une toile fine sur laquelle le peintre a réalisé un dessin préparatoire au trait noir puis la mise en couleur grâce à une tempera à l’œuf. Dorure à la feuille sur bol rouge. Fond d’or et auréoles poinçonnées. 
124,5 x 182 cm
La Vierge est entourée de saint Pierre et saint Jacques le Majeur à gauche, et de saint Paul et d’un saint, peut-être saint Grégoire le Grand àdroite. Au registre inférieur, sur la prédelle : saint André, Saint Jacques le Majeur, saint Jean l’Evangéliste, saint Pierre, le Christ, saint Paul, saint Barthélemy, saint Grégoire le Grand et un diacre. L’intensité des tons, le soin apporté aux boucles de cheveux et aux arabesques des vêtements évoquent la fresque de l’église Santa Barbara a Matera. La religieuse agenouillée en prière auxpieds de saint Paul a pu le faire penser – porte les traces du culte : cire et flamme. Les scènes et les personnages religieux restent le sujet prédominant du Moyen-âge.
Ici la peinture Gothique est traduite par l’image qui a avant tout pour vocation d’éduquer le fidèle, qui ne sait alors ni lire ni écrire, en lui transmettant un ensemble de règles civiques et morales qui maintiennent l’équilibresocial dans une société où le pouvoir est souvent du côté du plus fort. Les couleurs sont vives et fortement contrastées, souvent sur fond doré, cela créant un effet impressionnant chez le spectateur pour qui la couleur est quasiment absente du quotidien. Les seules touches de bleu, de jaune ou de rouges qu’il pourrait croiser se trouvent dans les vêtements réservés aux nobles et à l’intérieur deséglises.  Le christ, la vierge ou le saint qui font généralement le sujet principal de l’œuvre sont représentés plus grands que les autres personnages de second ordre. L'absence d'éclairage et de la perspective ne permettent pas au volume d'exister, les personnages semblent plats et mal intégrés à l'arrière plan comme les anges.

Donatello/Le Festin d’Hérode 
Marbre 
Vers 1435 
50 x 71 cm ...
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