Mer Morte

plus flous, plus imprécis. C'est cette vie nouvelle donnée à la couleur par la lumière qui fait le charme des toiles impressionnistes. Sur la Terrasse. Ce tableau daté de 1879 fait parti des dernières œuvres impressionnistes de Renoir. Une nature morte, deux portraits et un paysage à l'arrière plan sont l'objet du tableau. Pierre Auguste Renoir utilise un violent contraste entre deux couleurs complémentaires, le vert et le rouge, pour faire ressortir les personnages. La toile est à la limite des

l'environnement de ces objets, soit la table, la fenêtre ouverte sur le ciel et la mer, le balcon en fer forgé et les rideaux, est traité de manière néo-classique. On peut supposer que la douceur de vivre méditerranéenne, la paix retrouvée après cinq années de guerre, amènent Picasso à faire entrer la lumière dans ses compositions. Les coloris froids du cubisme analytique laissent alors place à des tons chauds et doux. La nature morte, placée devant la fenêtre et encadrée par des rideaux semble être au centre

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la vie et la naissance (sperme et sang), le noir, la mort, la table et la fleur une vanité. L’œuvre serait un contraste de sens entre la vie et la mort parallèlement, une sorte de résurrection de la femme à la cafetière aussi stoïque qu’une nature morte ou une vanité (Confère : Champaigne, Allégorie de la vie humaine). Il donne donc un autre sens à cette œuvre reprise de Cézanne, plus moderne dans la forme sur un fond traditionnel. Cendrans Blaise dans Contraste, propose une double hypothèse de lecture : « 

perspective. Matisse met du rouge partout, il est mur, sol et meubles. Bien plus, il est lumière. Si intense que l’on continue à voir cette lumière les yeux fermes. Comme dans une conclusion, les thèmes qui lui sont chers resurgissent : la nature morte, le paysage, et même les femmes, évoquées par le dessin des arabesques. Le spectateur ne peut en aucun cas rentrer dans le tableau comme l’y invitaient les peintres anciens, il se trouve alors confronte aux rectangles des tableaux qui ne dessinent

citées et constituaient le thème principal de nombreuses natures mortes. Un crâne, la flamme d’une lampe à l’huile venant juste d’être éteinte ou la fragilité d’un verre posé en équilibre instable » (dans l’Objet d’art, L’âge d’or de la nature morte néerlandaise, juin 1999). Christine Debrie explique que « Bien que moins courantes dans les Pays-Bas du Sud que dans ceux du Nord, les allégories de la Vanité attestent la communauté de pensée entre les protestants et les catholiques : même approche

utilisation courante, mais assez délicate : ils peuvent, en effet, définir plusieurs degrés de référence au réel. Souvent, ils sous-entendent simplement l'observation scrupuleuse faite par l'artiste du modèle représenté, qu'il soit figure, visage ou nature morte, même si cette étude aboutit à une composition allégorique ou religieuse. Réalistes, certes, l'Adam et Ève de Van Eyck (Gand, cathédrale Saint-Bavon), les Vénus nues de Cranach, les costumes pittoresques de Pisanello, de Signorelli ou de Dürer, de

nature morte. Se dit d'une œuvre qui représente des objets inanimés, par exemple, une corbeille de fruits, les vestiges d'un repas ou le gibier tué à la chasse. Les différents éléments sont mis en scène dans des compositions qui transposent la nature dans un intérieur. Les objets, fruits ou animaux sont généralement en gros plan, le plus souvent réalistes. La nature morte se caractérise par une absence de profondeur de champ. • La marine. Par ce terme on désigne un sujet qui représente la mer et l'univers

rythmés par l'injonction Souviens-toi !. Les rimes sont embrassées, et les rimes masculines alternent avec les rimes féminines au fil des strophes : M F F M - F M M F - M F F M, etc. Un poème en forme de vanité. En peinture, la vanité est une nature morte qui rappelle, sous une forme allégorique, la fugacité et la brièveté de la vie et le caractère vain des plaisirs, des honneurs et des divertissements. Héritage des danses macabres du Moyen Âge, ce genre s'est développé au XVIIe siècle, principalement

qui devait le suivre toute sa carrière. Toutes ces études débouchèrent sur son premier chef-d'oeuvre, "Les mangeurs de pommes de terre" ('avril 1885), et d'autres toiles comme "Chaumière à la tombée du jour", "Tisserand avec son métier", "Nature morte à la Bible ouverte". Après le décès de son père en mars 1885, Vincent, cherchant à vivre de sa peinture, quitte Nuenen et la Hollande (il n'y reviendra jamais) en novembre 1885 pour Anvers. Mais le marché de l'art y étant en récession et l'originalité