Art figuratif

Frantisek Kupka est née le 23 septembre 1871 à Opocno. En 1889, il s'inscrit à l'Académie des Beaux-Arts de Prague dans la section peinture sacrée et historique. En 1910 survient la première rupture stylistique : Kupka s'oriente vers l'art non- figuratif. Et en 1912, le Salon d'automne accepte d'exposer des œuvres non-figuratives comme « Fugue en deux couleurs ». Au Salon des Indépendants, Kupka est exposé avec les peintres cubistes, mais il refuse d'être assimilé à un mouvement. En 1913, il

l’avènement d’une société post-révolutionnaire nouvelle. Il est nommé à plusieurs postes prestigieux qui lui laissent peu de temps pour ses propres créations. Les quelques œuvres de grand format réalisées à cette époque renouent avec des motifs figuratifs ou, sous l’influence des courants artistiques dominants en Union soviétique – le constructivisme et le suprématisme-, adoptent la géométrisation des éléments picturaux, même si Kandinsky tient à se démarquer de tout géométrisme.

mises en scène de Marta Graham ou des œuvres musicales d’Erik Satie. La passion des voyages de Calder contribuent au développement de son art. Ainsi naitront plusieurs œuvres directement inspirés d’expériences vécues ou de lieus visités telles que Jacaranda (1949) un mobile découlant de la découverte du jacaranda, arbre du Brésil. En 1943, le Museum of Modern Art organise une première rétrospective suivie en 1946 par une exposition à Paris. En 1952, il obtient le grand prix de sculpture de la Biennale

technique provient du grecque « teckhné » qui désigne tout type de savoir faire permettant de remplir une activité ou de fabriqué un objet avec efficacité , une manière approprié , le savoir faire technique est associé au travail manuel . Le mot art qui vient du latin « ars » qui signifie technique donc indique une activité de création d’œuvre ayant une valeur esthétique . L’art se distingue de la technique c’est que l’œuvre est l’objet d’une création elle n’a pas de but pratique et l’objet

appliquées. En effet on pourrait presque qualifier ce qu’il fait de figuratif non-réaliste. Plusieurs de ses œuvres présentaient une certaine texture car il utilisait un mélange de collage et de peinture. Lino est un artiste graphique car il produit des œuvres autant pour lui-même que pour un public cible. On dit qu’il est un artiste parce qu’il crée et participe à la création d’œuvres d’art et qu’il cherche à être reconnu pour son art. L’artiste ne répond pas à une commande mais à un public vaste

». Peintre polymorphe, il aborde tantôt des sujets figuratifs, tantôt produit des œuvres abstraites. • À la fois photographe du quotidien et peintre, il reproduit sur la toile les sujets de ses photos. • Parallèlement à ses expositions personnelles, il exerce une activité de professeur dans plusieurs écoles d’Art, notamment à Hambourg, Düsseldorf ou Halifax (Nouvelle-Écosse, Canada) et reçoit de nombreuses récompenses dont le Junger Western Art à Recklinghausen en1967, le prix Arnold Bode à la

dandy est le dernier état d’héroïsme dans la décadence » « La photographie c’est le repère des peintres manqués » « Se faire tirer le portrait c’est le début du narcissisme ». Pour Baudelaire la démocratie = décadent. L’artiste ne sacrifie pas son art à une apparence extérieure ou à son seul plaisir. L’exigence de l’artiste le conduit à l’universel. En effet l’artiste est plutôt un homme universel, ce qui n’est pas le cas du dandy. L’art à pour vocation de s’adresser à tous. L’excentricité ne va

l’abstraction, il évacue progressivement la figure (= la représentation d'objet) de ses oeuvres au profit d’un réseau de lignes orthogonales (orthogonal signifie à angles droits, perpendiculaire) et abstraites (art abstrait = Art qui ne cherche pas à représenter le visible ; art non figuratif). Comme pour le pot de gingembre, les trois peintures suivantes montrent comment le sujet (un arbre) disparait petit à petit pour ne laisser voir qu’un réseau de lignes verticales et horizontales. Les

d’orientalisme, d’unir les papiers de toutes sortes dans des collages inspirés, Sophie s’enthousiasme dans son art et cette illumination picturale ne peut qu’enchanter, envoûter ou intriguer le spectateur tant l’intime qui jaillit d’elle se métamorphose en un magnifique, étrange et onirique instant de vie. Cette alchimie de l’instant donne à voir l’image d’un monde à la fois abstrait et figuratif, un univers inépuisable, une invitation au voyage poétique là où « Tout n’est qu’ordre et beauté, / Luxe

grâce à ce tableau qu'il dirigera sa peinture vers l'abstraction. Il comprend que le sujet figuratif n'est pas indispensable au tableau et que le jeu de formes abstraites et des couleurs peuvent suggérer une puissance différente et une voie nouvelle. Grâce à Monet, Kandinsky découvre que la couleur est beaucoup plus importante que l’objet Représenté. Les Meules MONET 1890-1891 huile sur toile 60 x 100 cm. Art Institute of Chicago, Chicago USA Ses premiers tableaux sont d’essence naturaliste