Ames Grises Realiste

(qui s’inscrit dans la durée, couvre une trentaine d’années). Mais, cette vie n’étant même pas qualifiée, il annonce une platitude extrême, une banalité que renforce l'épigraphe «L'humble vérité», qui est tout à fait dans l’esprit des romanciers réalistes. Le personnage n’est pas nommé alors qu’à la même époque on trouve des titres tels que “Madame Bovary”, “Germinie Lacerteux”, “Thérèse Raquin”, etc.. Mais ces femmes sont des héroïnes au sens dynamique du terme, qui agissent, qui mènent combat, alors

lumière sur le paysage et de son action sur les couleurs à la manière impressionniste. Pour cela, le poète utilise des couleurs claires comme le blanc et vert. Toutefois, il utilise également des couleurs bannies par les peintres impressionnistes: le gris et le noir qui ont une connotation négative, et fait ainsi de ses poèmes des paysages mélancoliques, notamment dans la section «Aquarelles», avec le titre du poème «Spleen», qui est synonyme de mélancolie. Si on retrouve dans ses poèmes des jeux

industrielle, elle-même terre presque inconnue pour les lecteurs de romans de l'époque. La mine transforme hommes et femmes, par l'influence du milieu sur les individus, mais aussi par l'empreinte indélébile de l'aliénation sur les corps et les âmes. Celle-ci est montrée, mise en texte. Germinal parle de ce qui n'a pas encore de nom ailleurs que dans la philosophie politique et celle de l'Histoire: la lutte des classes. D'où la prise en compte romanesque du collectif. Dans cette lutte, le prolétariat

de cette séquence : Philippe Claudel est né en 1962 en Lorraine. Il a d’abord été professeur de Lettres en collège et en lycée, puis en prison et dans un centre pour handicapés, et enfin écrivain et cinéaste. Il a connu plusieurs succès : Les Ames grises en 2003, Le Rapport de Brodeck en 2007, et le César du meilleur premier film pour Il y a longtemps que je t'aime en 2008. La petite Fille de monsieur Linh : roman paru en 2005, très bien reçu par la critique. Cet extrait fait partie de l’incipit

l’un jaune et l’autre rouge. Un groupe de trois cavaliers et de quelques autres personnages traverse le bas de la toile. Le visage, les habits et la selle des cavaliers sont chacune d’une couleur unie, et aucun des personnages ne montre de détail réaliste. Le large emploi de la couleur dans La montagne bleue illustre l’évolution de Kandinsky vers un art dans lequel la couleur elle-même est appliquée indépendamment de la forme21. À partir de 1909, ce que Kandinsky appelle le « chœur des couleurs »

l’ouragan » joue sur le motif si Baudelaire du regard. Celui-ci est agrandi à la dimension d’un ciel d’orage, frère des « ciels brouillés » par les larmes de l’aimée, dans le poème « L’invitation au voyage ». Ici, l’œil de la passante, de couleur bleu-gris ( sens étymologique de « livide »), contient à la fois la menace de la violence (« ouragan », v. 7, repris par « plaisir qui tue », v.8) et la promesse de la tendresse charmeuse (« douceur qui fascine », v .8). Nous retrouvons les composantes de l’amour

l’ambiance macabre de sa mise en scène : l’instrument d’exécution, la guillotine, ainsi que le sol sont rouge sang ; les personnages reconnaissables sont vêtus de noir de la tête aux pieds ; la peau des personnages est blanche, livide ; l’arrière plan est gris-acier. Dans cette pièce de théâtre morbide qui se joue sous nos yeux, chaque personnage tient un rôle. Sur la gauche de la scène, il est possible d’identifier Thomas Woodrow Wilson, Président des Etats-Unis qui joue le rôle du procureur. Il est représenté

même si son corps, suivant l’évolution de la pénalité moderne, est pris dans un système de contraintes répondant avant tout à une économie des droits suspendus.” (Dumoulin, 2011:7). Dans Le Dernier Jour d’un Condamné Victor Hugo trace un tableau réaliste des conditions de détention dans une prison de la première moitié du XIXe siècle en France. Ce sont les renseignements sur les conditions de vie des détenus, l’obscurité des cachots privés du rayon de soleil, le lit misérable fait de la paille

(qui s’inscrit dans la durée, couvre une trentaine d’années). Mais, cette vie n’étant même pas qualifiée, il annonce une platitude extrême, une banalité que renforce l'épigraphe «L'humble vérité», qui est tout à fait dans l’esprit des romanciers réalistes. Le personnage n’est pas nommé alors qu’à la même époque on trouve des titres tels que “Madame Bovary”, “Germinie Lacerteux”, “Thérèse Raquin”, etc.. Mais ces femmes sont des héroïnes au sens dynamique du terme, qui agissent, qui mènent combat, alors

l’un jaune et l’autre rouge. Un groupe de trois cavaliers et de quelques autres personnages traverse le bas de la toile. Le visage, les habits et la selle des cavaliers sont chacune d’une couleur unie, et aucune des personnages ne montre de détail réaliste. Le large emploi de la couleur dans La montagne bleue illustre l’évolution de Kandinsky vers un art dans lequel la couleur elle-même est appliquée indépendamment de la forme. À partir de 1909, ce que Kandinsky appelait le « chœur des couleurs »