Portrait Miette

Paul Delaroche. Après avoir échoué au Prix de peinture et quitté l'école, Millet se voit supprimer sa bourse. Cela ne l'empêche pas d'adresser deux portraits au Salon, dont un exposé. Il épouse en novembre Pauline-Virginie Ono ; un portrait de son épouse, morte en 1844, est conservé à Cherbourg. De 1843 à 1846, il réalise ses meilleurs portraits dans une «manière fleurie». Les couleurs y sont posées en touches juxtaposées, de manière à former une surface animée et sensuelle. . Il peint ensuite

(présent/imparfait). On observe que V. Hugo utilise un vocabulaire mélioratif et riche lorsqu’il décrit l’île avant et un vocabulaire restreint et péjoratif lorsqu’il parle de Chiot après le massacre. Ensuite il fait un portrait de l’enfant qui donne un semblant de vie à l’île. Le poète tire un portrait mélioratif de l’enfant en utilisant le champ lexical de la beauté, «bel enfant» (v, 19), «au beau front» (v.23). Sa beauté rappelle la splendeur de chiot avant, ses « yeux bleus » comme « les flots » (v.4), et

Le Portrait en buste de François Ier a été réalisé par Jean & François Clouet, tous 2 portraitistes de la cour du roi. C'est une peinture à l'huile sur Bois (chêne) d'une hauteur de 96 cm sur 74 cm de largeur réalisé vers 1530. Ce portrait fut longtemps à Fontainebleau, & fut transporté à Versailles au XVIII siècle avant d'arriver en 1793 au musée du Louvre dans le département des peintures. L'arrivée de l'art des Clouets en France au XVIe va révolutionner les manières de traiter le portrait

GENERIQUE DU PORTRAIT ROMANESQUE (source : cours de préparation à l’oral assuré à la faculté d’Aix-En-Provence par Elisabeth Ravoux-Rallo, année scolaire 96-97 ) : Intérêt : mesurer l’éventuel écart avec un portrait traditionnel. - L’existence du portrait ( cf. textes qui ne donnent jamais de portraits de personnages ; exemple : Stendhal ). - La place du portrait dans le roman : est-ce la première apparition du personnage concerné ou non ? pourquoi ? Le portrait peut être dispersé

œuvre du moraliste La Bruyère, offre une riche galerie de portraits satiriques. Si les lecteurs du xviie siècle voulaient y voir des allusions à des personnages réels de l'époque et faisaient même circuler des « clés », ces portraits n'en restent pas moins des observations d'une grande acuité dans lesquelles La Bruyère épingle différents vices de la nature humaine en général. Ainsi, dans le chapitre « De l'homme », le moraliste dresse le portrait de Gnathon, un être profondément égoïste, se comportant

représente les activités domestiques, intimes ou des divertissements publics etc. (cf: la peinture hollandaise du XVII ème siècle). C'est un genre encore considéré comme mineur dans la hiérarchie des genres par opposition à la peinture d'Histoire, au portrait, genre noble. Elle constitue un document précieux pour l'Histoire car elle fournit des renseignements sur les mœurs d'une époque. (3) En 1807 en Estramadure, un fait-divers impressionnera toute l'Espagne et donnera la série des six scènes de la

une voiture. La majeure partie de ce texte met en parallèle les portraits de deux personnages que tout oppose et montre un perpétuel jeu des regards, thème important dans ce récit. La fin se voit plutôt caractérisée par une réflexion de la part de l’auteur quant à la scène qu’il a vu, le menant ainsi à une affirmation finale. En effet, dès le premier paragraphe, nous nous voyons confrontés au portrait d’un homme pauvre. Ce portrait est écrit à l’imparfait et implique beaucoup d’adjectifs appartenant

Intertextualité : Ananda Devi, Moi, l’interdite. L’intertexte au mythe grec : l’universel : Dans le portrait déformé de ses proches, la narratrice leur confère un caractère sisyphien : l’absurdité de leur situation et de leur comportement (travers) de la cupidité : Il y a du déplacement et de l’écart dans la mesure où si Sisyphe s’évertue à dépasser sa situation et se sacrifie pour la bonne raison, les proches de la narratrice sont dans l’aberration. -le décalage par rapport au texte original

Dans la peinture classique, la hiérarchie des genres était la suivante : « L'histoire, le portrait, la scène de genre, le paysage, la nature morte. » Cette hiérarchie des genres avait été codifiée en 1667 par André Félibien dans une préface des Conférences de l'Académie : « Celui qui fait parfaitement des paysages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses

inquiétude quant à l’avenir et plus particulièrement la mort, en cette période de remise en cause du rôle de l’art. Il parle par ailleurs de « combat pacifié »et de « délivrance » du « visage de l’être qui a souffert » dans son œuvre « le dernier portrait ». Cette angoisse qui malmène physiquement l’artiste est représenté au moyen du lien de cuir que la peinture va reprendre, continuer et confirmer ; et elle va torturer, déformer le visage de l’homme jusqu'à ce qu’il prenne un aspect animal, dans