Le Langage Et Les Didascalies Dans La Cantatrice Chauve

beaucoup de l’Antiquité et de ses sujets tragiques. Des grands thèmes comme la révolte ou la fatalité reviennent en force durant ce siècle, directement puisés de la période antique. Aussi, on conserve des grands tragédiens comme Euripide ou Sénèque le langage poétique et l’action simple. Cependant, la tragédie du siècle classique doit répondre à plusieurs règles. Premièrement, elle doit être écrite en vers dans une langue soutenue. Deuxièmement, elle doit comporter cinq actes (le premier acte étant celui

tragédie grecque inverse en fait le rapport de l'homme au mythe (--> récit qui se situe dans un temps fondateur, mettant en scène des dieux et des héros.) Caractéristiques. Le héros parle dans un langage ordinaire (parole individuelle). Il est de l'ordre des hommes. Le chœur parle dans un langage soutenu (parole collective). Il représente le peuple d'une cité. L'amphithéâtre est un hémicycle en pleine air. Le public est assis sur les gradins. La scène est un mur qui délimite le fond du théâtre

vis-à-vis du langage manipulateur. Les dramaturges, bien différents cependant les uns des autres et autonomes, représentent le vide, l'attente et, influencés par Antonin Artaud (Le Théâtre et son double, 1938), la vacuité du langage à travers des personnages dérisoires, à l'existence absurde et aux échanges vides. Ce mélange du tragique métaphysique et de l'humour dans la dérision et la déstructuration du langage et de la forme théâtrale (pas de scènes, actes très longs, didascalies abondantes) se

Racine, auteur tragique, donne en général une impression d'harmonie, de justesse, de naturel. Mais c’est au théâtre qu’il faut le juger. Là on s’aperçoit que le style de Racine est plus varié que celui de Corneille : chaque personnage y parle le langage de son caractère et de sa situation. Dans les passages d'exposition ou de galanterie, il y a parfois trop d'élégance, ou du moins on la sent : dans les scènes où le poète fait parler la passion toute pure, c'est la nature même que l'on croit entendre

dimension subjective au roman.] VI. Louis Aragon (1897-1982) Il signe une œuvre poétique plurielle, où la prose le dispute à la poésie à forme fixe, qu'il renouvelle. Après une première période très libre marquée par le surréalisme et ses jeux de langage, il retourne à une forme plus classique de poésie (vers mesurés et rimes), très inspirée par Guillaume Apollinaire, pour mieux rendre compte de la France (et de la résistance) à l'heure de la seconde guerre mondiale. Après guerre, l'aspect politique

véritable formation technique : non seulement comédiens et mimes, mais aussi chanteurs, danseurs, jongleurs, acrobates et parfois même jouant des instruments musicaux les plus variés. Ces deux scènes sont comiques : Comique de mots Comique de langage  l’ironie utilisée par Silvia. Comique de gestes Comique de situation Ce que nous dit Marivaux, à travers les personnages, malgré le masque, les personnalités restent  le travestissement, malgré ça, ils se dévoilent. Note : « L’île des

"théâtre de la dérision" = Ionesco, Pinter, Adamov, O'Neill, et bien sûr Beckett le théâtre de l'absurde : - déconstruction de la pièce (cadre spatio-temporel), de l'intrigue, du décor, du costume, des acteurs et de leur personne physique, du langage - message : réflexion sur enfermement social, sur absurdité de condition humaine espèce de tragédie moderne : être prisonnier d'un système, courir après un sens qui se dérobe toujours - peu de message politique : surtout Rhinocéros et Macbett

références précises. • Puis, en travail préliminaire (la réponse finale doit être rédigée), répertoriez sur un tableau à trois colonnes (une par texte), les éléments de ces scènes : identité du personnage, contenu de son monologue, importance des didascalies, registre, rôle du spectateur, fonctions du monologue. Pensez à la représentation sur scène de ces monologues (occupation du plateau, par exemple) et aux qualités qu’ils exigent de leur interprète. • Vous trouverez ainsi les spécificités de chacune

appelé le « Théâtre de l'absurde » qui, dans les années cinquante, reflète la perte des repères et la défiance vis à vis du langage manipulateur. Ce mélange du tragique métaphysique et de l'humour dans la dérision et la déstructuration du langage et de la forme théâtrale (pas de scènes, actes très longs, didascalies abondantes) se retrouve chez Eugène Ionesco (La cantatrice chauve, 1950 - Les Chaises - La Leçon - 1951) et plus encore chezSamuel Beckett (En attendant Godot, 1953 - Fin de partie, 1957)

tradition qui juge de la réussite d’une pièce par la qualité d’une intrigue, la valeur de ses personnages, la tenue de son langage, cette dramaturgie met, si je puis dire, en pièces tous les éléments habituels du théâtre. Voici une intrigue où il ne se passe rien ou sinon quelque chose d’indéfini et de répétitif (« quelque chose suit son cours » ), des personnages dégradés, un langage qui se défait ; face à une tradition qui veut que le théâtre soit là pour instruire et pour divertir, ce théâtre n’apporte