Le Rôle De La Double énonciation Au Théâtre

(14). Edmond Rostand Introduction : L’intérêt pédagogique Inscrite dans les nouveaux programmes de français de la classe de 4e, la pièce de Rostand est l’œuvre idéale pour travailler la problématique « faire rire, émouvoir, faire pleurer » au théâtre. En effet, quelle pièce peut, mieux que Cyrano de Bergerac, susciter tout à la fois, le rire, l’émotion et les larmes ? Ces séances, conçues pour la version abrégée de l’œuvre, visent à faire découvrir aux collégiens la bouleversante histoire de

Horace écrite par Corneille en 1640. Corneille s’inscrit dans la période classique du XVIIème siècle même si à ses débuts, il a pu être considéré comme un dramaturge plutôt baroque. La pièce Horace est par ailleurs écrite en vers, véritable règle du théâtre classique et notamment visible par l’usage de l’alexandrins. L’auteur est connu ses comédies : Le menteur en 1625 mais aussi ses tragédies telles que Cinna ou encore avec la tragi-comédie du Cid en 1636. L’œuvre intitulée Horace retrace le combat

faire « comprendre » le problème à Antigone (ce verbe est utilisé 2 fois, au début et à la fin de la tirade). Il s'adresse donc à son intelligence et à sa raison, il cherche à la convaincre que sa propre position se justifie pleinement. sa thèse : le rôle d'un dirigeant est difficile en période de crise, lorsqu'il s'agit de remettre de l'ordre dans le pays et de faire respecter les lois. Il faut bien que quelqu'un « mène la barque » dans la tempête, sous peine de naufrage. Cette métaphore assimile le

(présentation de l’auteur + oeuvre)  Ecrit en moins d’un mois pour l’inauguration du théâtre de la Renaissance, Ruy Blas est avec Hernani le drame qui connut le plus de succès. Comme pour Hernani, huit ans auparavant, Hugo a choisi de situer son intrigue en Espagne. C’est d’après un « témoin de sa vie » : « de tous les drames celui qui lui prit le plus de temps ». Frédéric Lemaître, acteur fort célèbre, créa le rôle, et la première, qui eut lieu le 8 novembre 1838, fut un triomphe hormis le quatrième

comment cette scène d’exposition met en place des éléments contradictoires qui nourrissent l’attente et le suspense et créent une atmosphère angoissante. La scène d’exposition pose un cadre qui respecte les règles traditionnelles de l’ouverture au théâtre, à savoir la présentation du lieu, du temps et des personnages principaux. Malgré cette apparente analogie avec la scène d’exposition classique, cette ouverture présente des éléments qui s’en détachent : une action déroutante, fondée sur une intrigue

est connu aussi bien pour son œuvre philosophique et littéraire qu'en raison de ses engagements politiquesn , d'abord en liaison avec le Parti communiste, puis avec des courants gauchistes dans les années 1970. Joué pour la toute première fois au théatre Sara Bernarht en 1954, Kean est une adaptation en cinq actes et six tableaux par Jean-Paul Sartre de la pièce d'Alexandre Dumas, Kean, ou Désordre et génie, publié en 1836. À Londres au xixe siècle, Edmund Kean est un comédien shakespearien adulé

interrogations. La pensée est dérangée. Du v.246 à 264, stichomythies qui révèlent une difficulté à parler, à faire des phrases complètes. v.261-262 : Phèdre s’interrompt à deux reprises. Figure de style : aposiopèse (interruption, réticences à parler (au théâtre)). b) La logorrhée finale : (Logorrhée : flot ininterrompu de paroles) Le prénom d’Hippolyte renverse le rythme de la parole : Phèdre se met à parler. Au mutisme suit un long récit de la passion amoureuse où elle raconte son amour pour Hippolyte

porte à Tartuffe est tellement exagérée qu’elle devient comique. On trouve un autre comique de situation lorsqu’Orgon, le mari caché sous la table ne sors pas de sa cachette malgré les avances de Tartuffe à Elmire. Ce comique repose aussi sur la double énonciation, par laquelle Elmire feint de parler à Tartuffe alors qu’elle s’adresse à son mari. En effet en utilisant les pronoms « on », cette dernière désigne Orgon et non Tartuffe. En plus de montrer la lâcheté d’Orgon, cette scène fait rire le spectateur

récurrente un dispositif dans lequel Valmont et Merteuil manipulent leurs victimes sous les yeux d'un spectateur admiratif, reconduisant par cette mise en spectacle le principe même du théâtre. Enfin, la théâtralité est utilisée comme une métaphore centrale du film en définissant la société mondaine comme un théâtre dont les deux libertins sont à la fois acteurs et metteurs en scène. I. UN FILM THEATRAL a) Des personnages acteurs Le film présente deux manipulateurs prenant plaisir à tromper leur entourage

austiniens 3.1.1 L’échec et le parasitisme 3.1.2 Rapports et reproductions 3.2 Les parasites searliens 3.2.1 La référence parasitaire 3.2.2 Les assertions feintes 3.2.3 Intention et conventions horizontales 3.2.4 La métaphore 3.2.5 Les illocutions double et hybride 3.3 Conclusion Chapitre 4: DE L’IMPOSSIBILITE DU PUREMENT SERIEUX 4.1 Itérabilité 4.2 Derrida et la Théorie classique de l’écriture 4.3 Austin comme classique 4.4 Les actes de langage déconstruits 4.4.1 L’itérabilité et contextes