Scène primitive

spectacle total : utilisation de mime, de clown, d’un maximum d’éléments visuels, soucis du détail dans la mise en scène, jeux de lumières, de sons. La toile de fond de l’action est souvent la satire de la bourgeoisie, de son langage figé et de son petit esprit. La scène se déroule souvent dans un climat de catastrophe mais le comique s’y mêle pour dépasser l’absurde. Le langage mis en scène n’est plus un moyen de communication mais exprime le vide, l’incohérence et représente la vie, laquelle est elle-même

grossièreté, le mélange des registres, l'inappropriation du langage aux personnages. Le lecteur peut en être choqué. 1. La grossièreté : elle est sensible dans la reprise de certains termes, dérivés de mots vulgaires. Merdre ouvre et ferme la scène, d'abord dans la bouche d'Ubu puis dans celle de Mère Ubu à deux reprises. On en retrouve quatre occurrences, redoublement souligné par le chiasme et la présence de bougre. La septuple reprise et sa place soulignent la mise en valeur du mot. Le vrout

Le théâtre de la cruauté met en valeur l’insuffisance du langage textuel au profit de la mise en scène du décor et notamment des objets. Le théâtre est action et « Tout ce qui agit est une cruauté. » « J’emploie les mots que tu m’as appris. S’ils ne veulent plus rien dire apprends-m’en d’autres. Ou laisse-moi me taire. » Fin de partie. Dans l’œuvre d’Artaud comme dans celle de Beckett, le langage textuel n’est pas plus important que le langage scénique, ce qui est un trait évident de notre modernité

Dans ces trois textes, les caractéristiques du monologue sont présentes et cherchent toutes à renforcer le tragique du personnage. Les trois textes possèdent des didascalies représentant l’action du personnage la plus part du temps seul sur scène. Dans le texte de Samuel BECKETT, ces didascalies sont plus présentes. « Un temps » est présent 16 fois dans le texte. C’est pour permettre à l’acteur d’identifier les moments propices à la pause de la parole afin de renforcer le côté tragique de ce

UNIVERSITÉ DU QUÉBEC À MONTRÉAL LE TRAVAil.- DU METTEUR EN SCÈNE AUCÉGEP DANS LA PRATIQUE THÉÂTRALE PARASCOLAIRE QUÉBÉCOISE 1986 - 2006 MÉMOIRE PRÉSENTÉ COMME EXIGENCE PARTIELLE DE LA MAÎTRISE EN THÉÂTRE PAR FABIEN LACHANCE NOVEMBRE 2008 UNIVERSITÉ DU QUÉBEC À MONTRÉAL Service des bibliothèques Avertissement La diffusion de ce mémoire se fait dans le respect des droits de son auteur, qui a signé le formulaire Autorisation de reproduire et de diffuser

pratiquée dès l’époque romaine, puis très largement dans le classicisme français, à partir des pièces de la tragédie grecque antique. Au vingtième siècle, les metteurs en scène vont très largement pratiquer l’adaptation et la réécriture : Jacques Copeau, Charles Dullin, Gaston Baty et surtout Jean-Louis Barrault adopteront pour la scène divers romans ou nouvelles, tout comme Erwin Piscator ou plus récemment Krystian Lupa. La pièce « Hamlet » a, à elle seule, entraîné nombre de réécritures, parmi lesquelles

monstre : pattes griffues, ailes, queue… On peut également relever plusieurs éléments de mauvais présage comme la cape rouge que porte Œdipe, les ossements dans le coin inférieur gauche ainsi que la personne apparemment totalement terrorisé qui fuit la scène. Le décor choisi est aussi très particulier, il s’agit d’une grotte aux parois hautes qui pourrait s’apparenter dans l’imaginaire du spectateur a un piège. Au loin on aperçoit la ville de Thèbes comme pour rappeler la destinée d’Œdipe. IV. Mettre

relié à évolution du jeu à l’époque moderne (début du jeu « naturel » avec Molière en opposition au jeu tragique etc.) * Texte peut être relié à un questionnement sur le rôle de l’émotion au théâtre et la part allouée au jeu du comédien/metteur en scène dans la force d’une pièce de théâtre. 1. Le comédien qui joue d’âme * Jeu fondé sur la sensibilité (l.5) * Danger : (l.12) : ne peut jouer deux fois de la même façon => risque de l’inégalité du jeu si l’on suit les préceptes de Stanislavski

LECTURE ANALYTIQUE N1 : PHEDRE A I, S 3 Le texte étudié est un extrait de la scène 3 de l’acte 1 de la tragédie Phèdre, écrite en 1677 par l’écrivain français Jean Racine (mouvement du classicisme, pour la tragédie il s’agit d’édifier le public) et mise en scène par Jean Louis Barrault en 1942. Nous sommes dans la scène d’exposition, qui permet entre autres de découvrir les personnages. Apres que la reine Phèdre ait avoué aimer son beau fils Hippolyte à sa confidente Oenone, elles continuent d’évoquer

concevoir dans son intégrité tout ce qui se rapporte au côté visuel d’une scène, mais ces tâches ne se rapportent pas seulement à la conception. Il doit aussi coordonner et gérer toutes les étapes de mise en forme, de la conception à la livraison finale, en passant par la construction, tout cela en respectant le budget du producteur. Le scénographe devra créer l’ambiance désirée selon les spécifications du metteur en scène en respectant la vision de l’auteur, afin de parfaitement mettre en valeur