Art académique

contre Académisme (1840-1860): La période 1840-1860 est témoin de changements artistiques qui vont influer sur l'apparition de la notion de modernité dans l'art telle qu'elle est exposée par Baudelaire, dans son essai La Modernité. La peinture académique s'impose comme le style officiel dans l'art français de cette période. Les peintres d'Histoire comme Delaroche et Vernet réalisent de grandes compositions sur l'Histoire de France destinées au musée du château de Versailles et résultant de commandes

moderne : Introduction : Art provient d’abord du latin  Ars, artis « habileté, métier, connaissance technique » Et avant tout, pour vous qu’est-ce que c’est l’art ? Définition (celle des autres) : Larousse: « Création d'objets ou de mises en scène spécifiques, destinées à produire chez l'homme un état particulier de sensibilité, plus ou moins lié au plaisir esthétique ». Michel Duchamp : « On vit par son goût. On choisit son chapeau, on choisit son tableau. Le mot art d'ailleurs étymologiquement

de Mexico où son talent est directement remarqué par ses professeurs. Malgré la qualité de l'enseignement, Diego se sent à l'étroit dans cette institution « académique ». A 16 ans, il la quitte. Il s'intéresse à la politique et déclare que « Dieu n'existe pas ». Ses premières peintures sont des paysages (en 1904), et restent assez académiques (« La Castañeda » et « L'Ère » ). C'est en 1904 qu'il obtient une bourse qui lui permet de continuer ses études en Europe. Pour lui cette bourse est inespérée

populaire correspond à une mutation brutale imposée au nom de la « dictature démocratique du peuple », selon l’oxymore en usage à l’époque. Le « réalisme socialisme » sera imposé par Mao Zedong durant sa longue période au pouvoir (1946-1976). Cet art est un « art de propagande » au service du parti communiste chinois. Il devient officiel et obligatoire et l’art ancien s’en trouve rejeté. Pour cela, la période maoïste va utiliser un langage compris de tous qui fait l’éloge de la famille et de la communauté

[pic] CONTRAINTES ET LIBERTES L’Art face aux contraintes sociales, politiques et religieuses Problématique : En quoi la notion de scandale en art est elle influencée par le contexte social et religieux de la société ? Introduction générale Une œuvre n’est jamais en soi scandaleuse. C’est la rencontre entre l’œuvre et un contexte qui crée le scandale. Le scandale ne qualifie pas une œuvre, il en est au mieux une caractéristique temporelle, un fait à durée limitée, voire un événement

Grace à cela, il reçoit des commandes de portraits prestigieux qui lui permettent de devenir connu. Son style évolue, il devient plus affirmé. Après de multiples voyages entre 1881 et 1883, Renoir pense qu'il a épuisé l'impressionnisme, il cherche un art plus « sérieux » inspiré de Raphaël : les contours de ses personnages sont plus précis, ses formes plus rigoureuses. Ce nouveau style est très mal accueilli par le milieu artistique. En 1990, il épouse Aline Charigot qui lui donne trois enfants. De

spectacle sous forme de rencontres et de tournois de poésies. Créé à Chicago dans les années 80, il a suscité un engouement populaire et médiatique qui lui permet de se propager dans le monde entier. Le Slam est ainsi un outil de démocratisation et un art de la performance poétique. Le Slam est le lien entre écriture et performance, encourageant les poètes à se focaliser sur ce qu'ils disent et comment ils le disent. En France, le Slam se développe depuis 1998, en particulier sous l'impulsion du poète

tableaux, on s'exclame : mais, oui, c'est bien cela : la lumière, les couleurs, les reflets ! L'impressionnisme est un mouvement artistique français né dans la seconde moitié du XIXième siècle et qui marque la rupture avec l'art classique très académique , conventionnel et figuratif En vingt-cinq ans, de 1860 à 1886, des artistes comme Claude Monet, Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir et Alfred Sisley préfèrent peindre leurs impressions plutôt que la réalité. Ils ne cherchent plus la précision

faut maîtriser la technique pour qu’elle ne soit pas plus un problème et pouvoir se consacrer au problème de l’art. Donc pour faire de l’art, il faut de la technique, mais l’art n’est pas la technique. II. un artiste n’est pas qu’un artisan et son art ne se réduit pas la technique acquise et maîtrisée: - “Le style pour l’écrivain, aussi bien que la couleur pour le peintre est une question non de technique mais de vision” écrit Marcel Proust. Ce qui fait l’artiste plus que la matérialisation, c’est

être approprié dans n’importe quel cadre, assisté par une équipe curatoriale, un personnel académique sélectionne entre deux et dix œuvres sur papier à mettre en exposition pendant une heure. Durant cette heure , tout peut arriver. Nina Pearlman est directrice du Musée d'Art UCL, University College London. Elle a gagné son diplome de Master et de Licence en beaux-arts à la Slade School de Fine Art, UCL et à l'Université de Haïfa, Israël, respectivement, avant de compléter son doctorat au