Didascalie Genet

romantique, bravant les interdits d’Aristote, entend favoriser sans réserves le goût du public pour le spectaculaire : bruitages et effets spéciaux, tonnerre, éclairs, envahissent la scène et s’introduisent à l’intérieur du texte en de longues didascalies. Il reste que les auteurs romantiques, malgré leur rejet de Racine et leur préférence appuyée pour Shakespeare, ne remettent pas profondément en cause le dispositif théâ- tral hérité d’Aristote. Jusqu’à la fin des années 1880, le théâtre n’évolue

frontières et s’immisce dans l’univers de ces personnages et interfère avec eux (Exemple : personnage traversant l’écran pour rejoindre les spectateurs). Perspective narrative : Il s’agit du mode d’accès choisi pour parvenir à l’univers raconté. Genette parle de focalisation. - Focalisation interne : On accède à l’univers diégétique par le champ de conscience d’un des personnages. Le narrateur sait autant de chose que le personnage en sait, il y a une restriction de champ. - Focalisation

absurde en général, Genet, Claudel (qui accordent tous deux une grande importance à la didascalie) écrivent d'une manière différente parce qu'ils sont principalement influencés par les théories d'Artaud sur le théâtre. On assiste à la déclamation d'un texte qui se dit de l'intérieur et ce ne sont plus que la vanité du langage et des gestes sociaux qui meublent le temps qui fuit. Le contenu des textes théâtraux se tourne peu à peu vers des mythes modernes (comme le montre Genet avec Les nègres, qui

transpose et utilise les données du réel [5]. Séance d’introduction : lecture suivie de l’incipit du roman (p. 35-41) L’écriture Une lecture à voix haute permet de prendre conscience de la prose, souple et cadencée. La théâtralité Après une longue didascalie initiale, l’entrée dans l’action se « in medias res ». Propos et gestuelle de la colère pour Astrée et du désespoir pour Céladon sont théâtralisés et dessinent des caractères nettement individualisés. La mise en scène de la nature et du paysage

et peignant le combat d’un homme cherchant à préserver son identité, seul au milieu d’un monde ou les autres sont soumis à la force. Il est reconnu comme le père du théâtre de l’absurde, au rang de Samuel Beckett, Harold Pinter, ou encore Jean Genet. Il reçoit en 1966 le Prix du Brigadier pour La Soif et la Faim, en 1969 le Prix Prince Pierre de Monaco, et en 1973 le Prix Jérusalem. Son entrée à l’Académie Française en 1970, est donc une sorte de consécration. Ionesco décède à Paris en 1994

romantique, bravant les interdits d’Aristote, entend favoriser sans réserves le goût du public pour le spectaculaire : bruitages et effets spéciaux, tonnerre, éclairs, envahissent la scène et s’introduisent à l’intérieur du texte en de longues didascalies. Il reste que les auteurs romantiques, malgré leur rejet de Racine et leur préférence appuyée pour Shakespeare, ne remettent pas profondément en cause le dispositif théâtral hérité d’Aristote. Jusqu’à la fin des années 1880, le théâtre n’évolue

théâtre en communauté (Jouvet, Charles Oullin, Gaston Baty et Georges Pitoeff). Ces metteurs en scène travaillent sur des grands textes (par opposition aux théâtre de boulevard) mais aussi sur quelques textes modernes (comme ceux de Giraudoux, Claudel, Genet ou Beckett). Artaud, lui, va refuser les textes classiques dès les années 1930. Ce rejet s'identifie d'abord à celui que font les surréalistes qui disent prendre de la distance par rapport à tout ce qui est "littéraire". Si Artaud s'inscrit d'abord

traitant fréquemment de l’absurdité de l’homme et de la vie en général, celle-ci menant à la mort. L’origine de cette pensée étant sans conteste le traumatisme, la chute de l’humanisme à la sortie de la deuxième guerre mondiale. Ionesco, Adamov, Beckett, Genet, voire Pinter sont parmi les auteurs de ces œuvres qui ont bouleversé les conventions du genre. La particularité de Ionesco et Beckett est qu'ils ont exposé une philosophie dans un langage lui-même absurde qui réduit les personnages au rang de pantins

de foire. mais d’autres sont plus signifiantes, car elles sapent les manifestations du surnaturel au profit d’un matérialisme et d’un 4 5 6 7 8 9 « Macbett est un Macbeth (encore plus) excessif, un Macbeth hyperbolique, un hyper-Macbeth » (Gérard Genette, Palimpsestes, 1982, p. 504). les différentes formules de la parodie « produisent dans tous les cas un effet de comique, généralement aux dépens du texte ou du style “parodié” » (ibid., p. 39). Alfred Jarry, « questions de théâtre », dans Tout Ubu

l’incarnant véritablement. En effet, les auteurs prêtent chair et voix aux mots. La gestuelle des comédiens, tout autant que l’intonation permet de matérialiser des émotions. Ainsi, la réplique de D.J « Tu pleures, je pense », adressée, selon la didascalie, à Sganarelle, présente-t-elle, d’après le metteur en scène Lassalle, une ambiguïté virtuelle. Polysémique, elle peut s’adresser tout autant à Sganarelle qu’à Elvire, à Dom Juan lui-même ou au public. De cynique, si D.J prend son valet à témoin