Hegel L Artiste Ne Tient Pas Par Son Oeuvre

produit de la Nature. Si la Nature produit des effets, elle ne crée pas des œuvres. L’œuvre d’art suppose une liberté créatrice qui excède la fécondité naturelle. L’artiste crée en vertu d’un libre-arbitre, qui n’est pas la nécessité naturelle. Or, à ce libre-arbitre proprement humain est attaché l’usage de la raison et la capacité de donner une forme rationnelle à une création. Ainsi, pour Kant, « on se plaît à nommer une œuvre d’art le produit des abeilles (les gâteaux de cire régulièrement construits)

Mozart, tous sont considérés comme des œuvres d’art. Celles-ci semblent ne pouvoir être assimilées à de simples objets ordinaires car elles appartiennent au monde très particulier de l’art. On définit un objet ordinaire comme étant la conséquence du phénomène de production technique, c’est-à-dire une production artisanale. Il résulterait donc de l’action de produire et appartiendrait au monde ordinaire que côtoient les Hommes habituellement. Au contraire, une œuvre d’art serait le résultat d’un phénomène

Je me permets de vous livrer une réflexion que m'inspire HEGEL, dans son "introduction à l’Esthétique". « l’homme s’est toujours servi de l’art comme d’un moyen de prendre conscience des idées et des intérêts les plus élevés de son esprit. Les peuples ont déposé leurs conceptions les plus hautes dans les productions de l’art, les ont exprimées et en ont pris conscience par le moyen de l’art ». Sous cet éclairage, l’art ne serait donc pas un langage livrant du sens, mais une expression de

puisse dire? Peut-il y avoir une pensée sans langage? Un ineffable ne pouvant être exprimée par des paroles et possédant cependant un contenu psychique réel? En somme, qu'elle est la valeur de l'ineffable? La fonction essentielle du langage est selon Hegel dans La Philosophie de l'Esprit de tirer l'esprit du monde complexe et confus que lui présente la perception brute et de le faire accéder à un monde plus intellectuel, purifié , celui des mots. Il défendra contre Leibniz notamment la supériorité de

cours d’esthétique, Hegel pose d'ailleurs l’identité du beau avec l’art. Les mouvement contemporains semble marquer une rupture entre le beau et l'art. Cependant peut on affirmer pour autant qu'un divorce entre le beau et l'art signifie une mort de l'art comme le fait Hegel? En effet, l'art moderne contredit l'affirmation hegelienne en assumant pleinement le divorce entre l'art et le beau. Les surréalistes n'hésitent parfois pas à représenter la laideur du réel à travers des œuvres elle même laides

mais plutôt en opposition à celle-ci : il se manifeste plutôt comme une parole, il est en mouvement et ne peut donc pas être figé. Même si le visage ne bouge pas, une parole passe à travers lui. Cette parole n’est pas une parole dont la signification tient uniquement à moi, elle était déjà présente avant ma compréhension. Autrui déjà joyeux, triste, soucieux avant que je ne le rencontre. Le fait que le visage et sa signification étaient déjà là impliquent une exigence du visage : celui-ci est dans 1

art et réalité. Les artistes disposent-ils d'un modèle d'après lequel régler leur activité créatrice ? La réalité, définie par l'ensemble des choses qui sont, qui ont une existence objective et constatable, fait souvent état de ce modèle. Mais si l'on considère que le mot art, venant du latin « techne », désigne aussi bien la technique, le savoir faire que la création artistique et la recherche du beau, il est, en tant que pratique, le fait de l'artiste. Cet artiste est celui qui maîtrise un

recherchés par certains artistes, mais que ce n’est pas pour autant le seul but recherché par ces derniers. L’art peut ainsi avoir d’autres significations comme un porteur de messages lorsque l’on parle d’art engagé, par exemple. Un deuxième aspect que Georges Braque peut englober dans son terme d’ « inexplicable » est la rupture de la nouveauté qui se produit parfois en art. Ainsi cette rupture est difficilement explicable par les contemporains, mais elle est assimilée par les artistes postérieurs à cet

dualité. Les artistes de l'Antiquité la représentèrent sous la forme d'êtres pensifs, tête inclinée posée sur la main, regard perdu où se devine une sourde douleur. Au fil des siècles, l'image du mélancolique changera peu - 'Le Portrait du Dr Gachet', de Van Gogh, ou la sculpture hyperréaliste de l'Australien Ron Mueck (' Big Man', 2000) respectent cette iconographie. Devenue saturnienne, puis reclassée dans la grande famille des dépressions, la mélancolie a toujours inspiré les artistes qui, pour en

reconnaît à des œuvres, qui sont comme des monuments de l'esprit humain. Nous allons dans les musées admirer des œuvres d'art et il nous semble alors, qu'à côté des chefs d'œuvres, placés bien au dessus des objets ordinaires. L'art de Léonard de Vinci, la peinture de Raphaël, la sculpture de Rodin méritent de figurer sur un piédestal au dessus de l'ordinaire des objets techniques. De même, entre un tableau unique et une reproduction de supermarché, il y a la distance entre une œuvre d'art et un produit