Maître Valet Tragédie

scène d’exposition, Iphicrate, personnage grec, semble incarner la tragédie. C’est tout d’abord sa gestuelle qui est tragique : les didascalies indiquent qu’Iphicrate «s’avance tristement» , ce qui accentue la noblesse tragique du personnage. Ensuite, il utilise un registre tragique :«péri», «sort», «je suis perdu», «je ne reverrai jamais», «perdre la liberté et peut-être la vie». A côté de lui, Arlequin est le personnage type du valet de comédie. Les didascalies mentionnent une gestuelle populaire

quelles péripéties, quel dénouement, quel rythme/intensité, respect ou non de « l’unité d’action », etc…) 3. Les dialogues Dom Juan/Sganarelle (combien de face-à-face, sur quels thèmes, qu’est-ce qu’ils révèlent des personnages et du rapport maître-valet…) 4. Les thèmes (thèmes principaux et thèmes secondaires, thèmes particuliers par rapport à d’autres œuvres de Molière, thèmes du XVIIe vs thèmes intemporels, qui prend en charge quel thème, etc…) 5. Les avertissements à Dom Juan (liste

« La dramaturgie de Beaumarchais : le personnage de Figaro » (M. Corvin) Emission de radio, Cf audiosup Depuis Molière, le public des comédies s’était habitué à ne voir dans le valet que le serviteur de son maître, c’est-à-dire celui qui se démène pour le compte de quelqu’un d’autre, qui socialement lui est supérieur. Il s’agit d’un peu plus que d’une évidence, car avec le Mariage de Figaro, Beaumarchais inverse les perspectives et les habitudes, le titre lui-même indique déjà qu’il s’agit de

de pitié envers Alceste qui nous paraît simultanément grotesque et touchant. De part ce trouble, il est difficile de classer cette pièce dans un genre précis. D’une part, elle contient des éléments de la tragédie et de l’autre des éléments de la comédie. Selon le petit Larousse, « La tragédie est une pièce de théâtre, dont le sujet est généralement emprunté à la légende ou à l’histoire, qui met en scène des personnages illustres et représente une action destinée à susciter la terreur ou la pitié

Beaumarchais construit son Mariage de Figaro sur ce schéma : le Comte Almaviva a des vues sur la servante Suzanne, promise au valet Figaro qui se trouve obligé de défendre sa fiancée contre celui qui avait juré de la lui donner (« Non, Monsieur le Comte, vous ne l’aurez pas ! »). Cette rivalité sert de ressort à la comédie et, au cours de la pièce, selon les scènes entre maître et son valet, le spectateur sent et apprécie tantôt la supériorité du Comte, tantôt celle de Figaro. La dispute, normalement privée

vraisemblance (vérité acceptable pour les spectateurs) et la bienséance (ne pas choquer le spectateur). Les actions de combats sanglants sont simplement racontées au public. La comédie est considérée comme moins noble que la tragédie. Elle met en scène des bourgeois et des valets et l’intrigue tourne autour du mariage. Tous les obstacles finissent par être écartés. Molière s’est inspiré de la commedia dell’arte pour certaines de ses comédies. Le comique de mots, de geste et de répétition sont les plus

Dans Le jeu de l’amour et hasard, acte III scène 2, Mario dit à Dorante, déguisé en valet : « ta livrée n’est pas propre à faire pencher la balance en ta faveur et tu n’es pas fait pour lutter contre moi » Pensez-vous que chez Marivaux les disparités sociales constituent un obstacle majeur à l’amour ? Quand, dans le jeu de l’amour et du hasard, Arlequin fait part à Dorante de son désir d’épouser la fausse Silvia, ce dernier se fâche et se montre choqué de cette mésalliance. La mésaventure d’Arlequin

Le classicisme se caractérise par l’importance donnée à la clarté, la raison, les codes et la morale, ainsi que l’imitation des Anciens et la fréquente référence à l’Antiquité. Molière choisit de représenter la morale sur scène mais préfère à la tragédie, la comédie, qui permet une critique des mœurs de son temps. Dom Juan, qui est joué pour la première fois en 1665, connaît un succès considérable jusqu’à ce qu’il soit interdit par le roi sous la pression des dévots qui venaient de faire interdire

deux genres dominants dans l'histoire du théâtre depuis l'Antiquité grecque, la tragédie et la comédie. Aussi poser un tel problème sous forme d'alternative ne peut amener de réponse univoque ; cela oblige néanmoins à repérer les traces génériques qui subsistent dans Fin de Partie et à s'interroger sur leur sens. Éléments tragiques, éléments comiques La pièce ne s'inscrit pas de façon monolithique dans la tragédie, ni dans la comédie. Elle est parsemée d'indices qui font vers l'un ou l'autre

radicalement comédie et tragédie. Victor Hugo, dans la préface de Cromwell en 1827, invente le genre du drame, qui mêle tragique et grotesque. Le théâtre de l'absurde va plus loin dans la remise en cause de cette frontière rigide entre deux sous-genres et deux registres généralement opposés, pour penser leur circularité : « Rien n'est plus drôle que le malheur » dit Nell à Nagg. Aussi, en quoi peut-on dire que Fin de partie emprunte à la fois à la comédie et à la tragédie ? En quoi la pièce montre-t-elle