Catharsis Et Art

XVIIe siècle), en poésie (ex. Une charogne dans Les Fleurs du mal de Baudelaire), le Réalisme a pris une place croissante dans les textes narratifs du XVIIIe et du XIXe siècles. Il a d'ailleurs été revendiqué par le mouvement réaliste au XIXe siècle, en art (Courbet) et en littérature, par exemple par Maupassant dans la Préface de Pierre et Jean, et accentué par le Naturalisme que prône Zola dans Le roman expérimental. Le registre réaliste s'est imposé dans les romans qui cherchent à produire un effet

seulement occupé à « comprendre un peu », il est même distant des personnages dont le destin est bien différent du sien. 1-1 Le regard du spectateur Si Boileau dans les vers de son Art Poétique consacré au théâtre demande le « vraisemblable » plutôt que le « vrai », c'est que le théâtre est un art de l'illusion. La pièce nous donne l'illusion du réel, et l'on pourrait presque parler d'illusion d'optique tant le spectacle à besoin du regard du spectateur pour fonctionner pleinement. Ainsi

critères formels, thématiques et énonciatifs. La question de l’art-poétique et ses espèces, est au centre d’intérêt de l’œuvre d’Aristote la Poétique, il fait la Distinction canonique de la triade des genres, Leur principe est la mimèsis : tout art est mimétique par définition. Platon : Platon fait correspondre des genres littéraires à des modes d’énonciation : le récit caractérise le dithyrambe, l’imitation est spécifique à la tragédie, la comédie et l’épopée : mode mixte

à l’art dramatique. -Petite scène où l’on donne un spectacle sans acteurs (théâtre de marionnettes). -Entreprise de spectacles dramatiques. -Aménagement artistique d’un parc (théâtre de verdure). -Le cadre, le lieu où se passe un événement. -Art visant à représenter devant un public une suite d’événements où des êtres humains agissent et parlent. Genre littéraire : Un genre théâtral est le résultat d'une création comique correspondant à une forme précise. Le spectateur, connaissant un genre

répertoire proposé au grand public et, partant de là, une meilleure compréhension de la communication théâtrale. La communication théâtrale se caractérise par la densité et la diversité des signes transmis au cours de la représentation. Le théâtre, art total, n’utilise pas, en effet, le seul langage comme vecteur des effets produits sur le destinataire. Il met en jeu un texte, mais également des conditions de réalisations spécifiques. Concrétisé le temps d’une mise en scène, il est, de surcroît, médiatisé

perdre la notion d’art, en la vidant de son sens (si tout est de l’art, on ne peut distinguer ce qui est de l’art et ce qui n’en est pas) ? Il est donc nécessaire de chercher à définir ce qu’est une œuvre d’art. On a tendance à mettre en relation art et beauté : l’art se définirait par la création de la beauté. Mais une telle définition pose des problèmes : on trouve des œuvres, que l’on considère comme des œuvres d’art, sans qu’elles soient belles (l’urinoir de Duchamp par exemple). Ne sont-elles

roman, mouvements littéraires se succèdent, se superposent et le plus souvent s'affrontent ; ainsi réalisme et romantisme ont des visions opposées de ce que doit être la littérature. Dès 1835, la naissance du Parnasse pose les fondations d'un nouvel art, seulement voué à être beau et par lequel le travail de l'écriture même donnerait à l'œuvre toute sa dimension artistique : c'est l'Art pour l'Art. On retrouve bien les aspirations de Wilde : l'œuvre littéraire doit être « bien écrite », rien de plus

autre registre, Madame de La Fayette, avec La Princesse de Clèves (1678), dresse le portrait d'une femme qui résiste dignement à la tentation du duc de Nemours et fait ainsi l'apologie de la vertu, un peu à la manière de la tragédie grecque : la catharsis, la purification par les personnages. Le héros d'un roman, à travers sa perfection, peut transmettre un message à son lecteur qui le prend en modèle. Avec le XXe est né une nouvelle sorte de héros romanesque non médiocre. Alors que le XIXe siècle

faire de même. Le but principal de la tragédie est de toucher les spectateurs ou les lecteurs par les sentiments pour mieux faire passer un message. La tragédie selon Boileau, théoricien du classicisme qui définit les règles de la tragédie dans son Art Poétique ; à également une fonction morale, mais il s’agit ici de plaire et de toucher. Le spectateur s’identifie en effet au héros et partage sa souffrance dont il s’émeut comme dans Antigone de Jean Anouilh (réécriture de Sophocle) qui utilise les

antique s’inspire des mythes ou d’événements historiques. Elle met en scène des personnages confrontés à leur destin. La tragédie doit inspirer pitié et terreur. Le spectateur doit pouvoir se libérer de ses passions grâce à ce qu’il appelle la catharsis (le spectacle de la violence et des passions négatives permet au spectateur de s’en libérer). 1) La tragédie classique Les tragédies classiques les plus connues sont Andromaque (1667) ; Britannicus (1669) et Phèdre (1677) de Jean Racine